Présentation de Pablo Picasso

Le talent artistique de Pablo Picasso (1881-1973) a eu un impact considérable sur le développement de l'art moderne et contemporain. Plus de 20 000 peintures, gravures, dessins, sculptures, céramiques, décors de théâtre et costumes issus de sa prodigieuse production reflètent un large éventail de préoccupations intellectuelles, politiques, sociales et romantiques. Son œuvre couvre le réalisme et l'abstraction, le cubisme, le néoclassicisme, le surréalisme et l'expressionnisme, entre autres mouvements. Picasso est né à Malaga, en Espagne, en 1881, et a étudié brièvement l'art à Madrid en 1897 avant de s'installer à Barcelone en 1899.

La période bleue

Son œuvre durant ces années, qu'il passe alternativement à Paris et en Espagne jusqu'en 1904, reflète des sentiments de désespoir et d'obscurité, influencés en partie par la mort de son ami Casagemas. Les œuvres de la période bleue de Picasso, de la fin de 1901 au milieu de 1904 environ, présentent des thèmes de pauvreté, de solitude et de chagrin. Il rend avec sensibilité un personnage solitaire encombré par sa condition, qui tient une croûte de pain d'une main et s'agrippe maladroitement à une cruche de l'autre dans "Le repas de l'aveugle" de 1903. "Les corps allongés en tire-bouchon du Greco" (1540/41-1614) inspirent les traits déformés de l'homme.

La période rose

En 1904, Pablo Picasso vient à Paris et loge dans le quartier des artistes du Bateau-Lavoir, où il est entouré de poètes et d'auteurs bohèmes, dont Guillaume Apollinaire (1880-1918) et Max Jacob (1876-1944). Picasso s'est tourné vers des sujets plus joyeux comme les artistes de carnaval, les arlequins et les clowns dans "Au Lapin Agile" de 1905. Il a utilisé sa propre image pour la figure de l'arlequin dans cette peinture, abandonnant les bleus sinistres en faveur de couleurs vives, comme le rouge, pour célébrer la vie des artistes de cirque. Cette période est appelée sa période rose. À Paris, il trouve des partisans dévoués dans les frères et sœurs américains Gertrude (1874-1946) et Leo (1872-1947) Stein, dont les salons du samedi soir au 27, rue des Fleurus servent de terreau aux nouvelles idées créatives et intellectuelles.

Le cubisme

Pablo Picasso rencontre d'autres peintres vivant et travaillant dans la ville chez les Stein, dont Henri Matisse (1869-1954). La nouvelle obsession de Picasso pour la sculpture ibérique préromaine, l'art africain et océanien est documentée dans Gertrude Stein, qui a été peint en 1905-6. Insatisfait des caractéristiques du visage de Stein, L’artiste peintre a modifié son image en une manifestation ressemblant à un masque, stimulée par le primitivisme, en se concentrant sur l'intuition plutôt que sur une observation précise. "Les Demoiselles d'Avignon" (1907), un tableau révélateur des débuts du cubisme, montre l'influence de l'art africain et océanien. La disposition des figures rappelle ici les compositions de baigneurs de Cézanne, mais le style est influencé par le primitivisme, comme en témoignent les plans angulaires et les contours bien définis qui donnent aux figures une solidité sculpturale générale.

Nature morte à la bouteille de rhum, peinte en 1911, incarne les concepts fondamentaux du cubisme analytique (1910-12), avec sa fragmentation de formes tridimensionnelles sur un plan d'image bidimensionnel. Pablo Picasso et le peintre français Georges Braque (1882-1963), qui se sont rencontrés en 1907, ont établi les méthodes de ce cubisme. Bouteille et verre à vin sur une table, réalisé par l’artiste peintre Picasso en 1912, est un exemple précoce du cubisme synthétique (1912-14), dans lequel il colle du papier journal et du papier coloré sur la toile. Dans leurs œuvres cubistes synthétiques, Picasso et Braque ont utilisé des éléments tactiles tels que le tissu, ainsi que des techniques de trompe-l'œil pour créer l'apparence de choses et de textures authentiques, comme le grain du bois.

La période néoclassique

Picasso est revenu aux formes classiques après la Première Guerre mondiale (1914-18), en expérimentant moins le cubisme. Il crée une variation distincte du classicisme au début des années 1920, en incorporant une imagerie légendaire influencée par la culture classique de l'Italie, comme les centaures, les minotaures, les nymphes et les faunes. C'est au cours de cette expression revivifiée, connue sous le nom de période néoclassique, qu'il réalise des dessins consacrés à la maternité, inspirés par la naissance de son fils Paulo en 1921 (le premier de ses quatre enfants nés de trois femmes).

"La Femme en blanc" (53.140.4) a été peinte en 1923 et représente une femme vêtue d'un vêtement blanc traditionnel, semblable à un toga, allongée dans une position méditative, les cheveux non coiffés, évoquant une douce poésie et l'esprit de détente de la grossesse.

Le surréalisme

Vers la fin des années 1920, Picasso a utilisé les thèmes du surréalisme. Il s’est également servi des méthodes du surréalisme pour créer des peintures de personnes déformées et tordues. La figure de Picasso dans Nu debout au bord de la mer de 1929 rappelle la posture classique d'un nu debout avec les bras levés, mais son corps est gonflé et monstrueusement tordu.

Au début des années 1930, Picasso avait adopté des teintes harmonieuses et des formes fluides, évoquant une sensualité biomorphique globale. Il a créé des tableaux de femmes à la tête tombante et à la volupté étonnante avec un nouvel esprit d'optimisme et d'indépendance, peut-être inspiré par sa liaison avec Marie-Thérèse Walter (1909-1977), l'une des nombreuses petites amies de Picasso. Lecture à une table de 1934 représente Marie-Thérèse assise à une énorme table, soulignant son enfance et sa pureté, en utilisant ces caractéristiques expressives de couleurs fortes et de courbes délicates.

La guerre espagnole

L’artiste peintre a été extrêmement perturbé par le début de la guerre civile espagnole en 1936, malgré le fait qu'il résidait encore en France dans les années 1930. Il réagit par une série de peintures intensément expressives, telles que Rêve et mensonge de Franco, pour aboutir à la gigantesque peinture murale "Guernica" (1937), réalisée dans une palette de grisaille. Cette peinture, la contribution de Picasso au pavillon espagnol de l'Exposition universelle de Paris de 1937, est une œuvre horrifiante avec des couches de symbolisme anti-guerre s'opposant au coup d'État fasciste de Francisco Franco.

Les dernières années de Picasso

L'élan créatif de Picasso n'a jamais faibli de la fin des années 1940 aux années 1960. Il continue à peindre, à fabriquer des céramiques et à s'adonner à la gravure tout en vivant dans le sud de la France. Grâce à des expositions importantes à Londres, Venise et Paris, ainsi qu'à des rétrospectives à Tokyo en 1951 et à Lyon, Rome, Milan et São Paulo en 1953, sa reconnaissance mondiale s'accroît. En 1957, une rétrospective au Museum of Modern Art de New York suscite un énorme intérêt, avec plus de 100 000 visiteurs le premier mois. Cette exposition cimente le statut de Picasso, les institutions et les collectionneurs individuels des États-Unis, d'Europe et du Japon se disputant ses œuvres.

Picasso est revenu aux idées mythiques explorées dans des œuvres antérieures dans le Faune avec étoiles de 1955. Il évoque son obsession pour un nouvel amour, une jeune femme nommée Jacqueline Roque (1927-1986), qui devient sa seconde épouse en 1961, alors que le peintre a soixante-dix-neuf ans, en mêlant des expériences réelles à sa peinture. Picasso s'est représenté comme un faune, regardant calmement et froidement une nymphe soufflant dans son instrument vers le ciel avec une confiance et une connaissance adultes. L'image capture son amour passionné pour Jacqueline.

Picasso a créé un grand nombre d'œuvres et a profité des avantages financiers de son succès jusqu'à ses 80 et 90 ans, accumulant une fortune personnelle et une magnifique collection de ses œuvres et de celles d'autres artistes. Il est mort en 1973, laissant un impact artistique qui se fait sentir dans le monde entier aujourd'hui.